Wenn Geld und Hype aus der Kunstwelt verschwinden, werde ich nicht vermissen, was Kurator Francesco Bonami die "Eventokratie" nennt. All diese auffällige „Kunstmesse-Kunst“ und diese hochproduzierten weltraumfressenden Brillen und Installationen begeistern Sie für eine Minute, bis Sie zum nächsten Adrenalin-Event übergehen.

Während ein großer Teil der Kunstwelt von einer winzigen Anzahl von Sternen und deren Preisen besessen ist, hat sich eine ästhetische Veränderung vollzogen. Es ist keine Bewegung - Bewegungen sind sich ihrer selbst sicherer. Es ist eine Veränderung der Stimmung oder der Erwartung, dass Kunst mehr sein soll als auffällige Effekte, große Zahlen und Spielkunst.

Es wurde viel gute Kunst gemacht, während das Geld regierte. Ich mag viel davon und Not und Armut sind keine Tugenden. Die gute Nachricht ist, dass fast niemand Kunstkünstler verkaufen wird - insbesondere aufstrebende - und nicht daran denken müssen, einen einheitlichen Stil zu entwickeln oder eine Marke zu schaffen. Sie können so viel experimentieren, wie sie wollen.

Das letzte Mal, als das Geld die Kunstwelt verließ, haben unerschrockene Typen ihre Kreditkarten voll ausgeschöpft und Galerien eröffnet, und einige von ihnen sind die besten der Welt geworden.

Es ist Kunst, die gegen psychologische und soziale Erwartungen drängt und versucht, den Verfall in etwas Generatives zu verwandeln, das auf barocke Weise replikativ ist, bei dem es nicht um Fortschritt geht und das - wie Walt Whitman es ausdrückte - "eine Vielzahl enthalten" will.

Der riesige weiße Würfel behindert jetzt eher den Rhythmus der Kunst als ihn zu verbessern. Es programmiert die Reise eines Betrachters vor, verlagert den Schwerpunkt vom Prozess zum Produkt und es fehlt ihm an Individualität und Offenheit. Es ist nicht so, dass Kunst nur in brutalen, bombardierten Umgebungen gesehen werden sollte, sondern sie sollte lebendig erscheinen.

Es ist großartig, dass New York große Räume für Kunst hat. Aber die enorme makellose Kiste ist zu einem veralteten, sogar bedrückenden Ort geworden. Viele dieser Räume wurden für weitläufige Installationen, große Gemälde und die relationale Ästhetik der letzten fünfzehn Jahre entworfen.

Kann der Raum brechen? Ich meine den Raum der Kunstgalerien. In den letzten 100 Jahren haben sich Kunstgalerien von Salons der Beaux Arts über einfache Ladenfronten, Industrielofts bis hin zu den glänzenden riesigen weißen Würfeln von Chelsea mit ihren glänzenden Betonböden entwickelt.

Künstlerische Qualitäten, die einst unbestreitbar schienen, scheinen jetzt nicht mehr so ​​zu sein. Manchmal sind diese Schwankungen nur unbeständige Geschmacksstörungen in der Arbeit eines Künstlers oder ein Künstler, der seinem Publikum einen Schritt voraus ist (ich habe zehn Jahre gebraucht, um Albert Oehlen einzuholen). In anderen Fällen bedeuten diese Probleme jedoch, dass etwas mit der Kunst nicht stimmt.

Die New Yorker Kunstwelt beweist leicht, dass Menschen falsch liegen. Gerade wenn Leute sagen, dass die Dinge stinken und Kritiker von flibbertigibbet das Schlimmste von uns allen wünschen, weil wir nicht rein genug sind, erscheinen gute Vorzeichen.

Nach seiner Treibhausinkubation in den siebziger Jahren hauchte die Aneignung der Kunst wichtiges neues Leben ein. Dieses Leben blühte über die Jahrzehnte spektakulär - auch wenn es jetzt dem ästhetischen Kudzu nahe kommt.

Aneignung ist die Idee, die die Kunstwelt gefressen hat. Besuchen Sie eine Chelsea-Galerie oder eine internationale Biennale und Sie werden sie finden. Es gibt dort in Gemälden von Fotografien Fotografien von Werbeskulpturen mit fertigen Objektvideos unter Verwendung bereits vorhandener Filme.

Venedig ist der perfekte Ort, um eine Phase der Kunst zu sterben. Keine andere Stadt der Welt bietet Entropie so gut wie dieses magische schwimmende Einkaufszentrum.

Außerhalb von Museen auf lauten öffentlichen Plätzen schauen Menschen Menschen an. In Museen verlassen wir dieses Reich und betreten das, was man als Gruppengeist bezeichnen könnte, der still wird, um Kunst zu betrachten.

Ich bemerke einen neuen Ansatz für das Kunstmachen in den letzten Museums- und Galerieshows. Es flackerte letztes Jahr im "Younger Than Jesus" des New Museum in den Fokus und lief durch die Whitney Biennale. Ich sehe es blühen und Früchte tragen im "Greater New York" MoMA P.S. 1s zweimal im Jahrzehnt stattfindende Extravaganz aufstrebender lokaler Talente.

Meine kulturentzogene, ehrgeizige Mutter schleppte mich einmal im Monat von unserem nördlichen Vorort - wo das Wort Kunst nie auftauchte - zum Art Institute of Chicago. Ich hasste es.

Der abstrakte Expressionismus - die erste amerikanische Bewegung, die einen weltweiten Einfluss hatte - war bemerkenswert kurzlebig: Er erhitzte sich nach dem Zweiten Weltkrieg und war bis 1960 so gut wie erledigt (obwohl Sie heute eine Kunstschule besuchen und Sie einen potenziellen Menschen finden werden) Willem de Kooning).

Das größte Kunstwerk über New York? Die Frage scheint nebulös. Die Magie und Majestät der Stadt werden auf den Fotografien von Alfred Stieglitz und Paul Strand destilliert.

Es ist nicht möglich, den Einfluss von Paul Cezanne auf die Kunst des 20. Jahrhunderts zu überschätzen. Er ist der moderne Giotto, der eine Art der Bilderzeugung erschütterte und eine neue erfand, der die Welt folgte.

Ich freue mich auch über die sogenannte negative Kraft in Grotjahns Werk. Das heißt, ich liebe seine Bilder für das, was sie nicht sind. Im Gegensatz zu viel Kunst des letzten Jahrzehnts arbeitet Grotjahn nicht einfach anhand einer vorgeschriebenen Checkliste von akademisch akzeptablen, vom Kurator anerkannten „Ismen“ und Wendungen.

Willem de Kooning wird allgemein zugeschrieben, dass er in den vierziger Jahren stark aus den malerischen Toren herausgekommen ist, um Kunst und Abstraktion zu revolutionieren und Anfang der fünfziger Jahre unglaubliche Höhen zu erreichen und dann nachzulassen.

Stellen Sie sich vor, es ist 1981. Sie sind ein Künstler, der in kunsthistorische Kunst verliebt ist. Sie sind auch eine Frau, die fast keine Mentoren hat, die sich mit Kunstgeschichte befassen können. Jede Frau, die sich Anfang der achtziger Jahre der Kunstgeschichte näherte, versuchte, in ein fast fremdes Land einzureisen, eine eingeschränkte und ausschließende Domäne, die eine private Sprache sprach.

Viele Museen ziehen das Publikum mit Kunst an, die angeblich unterhaltsamer ist als Dinge, die nur sitzen und zum Nachdenken einladen. Interaktivitäts-Gizmos, die Dinge essen, die Lärm machen - alle sind heutzutage die Norm, die oft viel anderes verdrängt.

Ja, 85 Prozent der Kunst, die Sie sehen, sind nicht gut. Aber jeder hat eine andere Meinung darüber, welche 85 Prozent schlecht sind. Das wiederum schafft ein fantastisch instabiles Zusammenspiel und Argument.